Les Egarements Monumentaux

février 1, 2009

La « Vierge retrouvée » de Saint-Germain-des-Prés (2/2) – petite histoire de la sculpture gothique

(Suite de l’article : La Vierge retrouvée de Saint-Germain-des-Prés, partie 1)

La sculpture gothique dans le milieu parisien (1150-1300)

Lorsque la sculpture dite gothique apparait dans l’Histoire, autour de 1150, dans le domaine royal parisien (1), l’influence de l’enluminure, qui marqua tant les premiers sculpteurs romans est encore déterminante. S’ébrouant des conventions romanes, à peine vieilles d’un demi siècle, la première sculpture strictement gothique cherchera à s’en éloigner en observant l’Antiquité. Sous les yeux des tailleurs du XII ème siècle subsistent encore de nombreux monuments : sarcophages, stèles, morceaux de statues trainent dans les taillis autour des grandes ruines de l’Ancienne Gaule. Comme dans l’Ancienne Rome devenue chrétienne et chantée par les poètes médiévaux, les vieux crypto-portiques, les marchés couverts ou les soubassements des temples en ruine ne sont plus que d’étranges cavernes peuplées de ribaudes et de brigands braillards. Musées inattendus, elles révèlent des vestiges, que l’on retrouve aussi, parfois, encastrés dans les murs des églises, ou utilisés comme autels. L’artiste du moyen-âge n’a que faire de leur signification, mais il y cherche une nouvelle vigueur plastique, que les belles peintures des manuscrits ou des cryptes romanes ne peuvent exprimer. De ce goût naîtront des draperies d’une légèreté presque irréelle, habillant les figures créées entre 1180 et 1230. La surface se couvre alors de mille plis légers comme la surface d’une eau agitée. Ces rides et dépressions de surface constituent le « Muldenfaltenstil », style des plis en cuvette. L’intrusion, ici, de la langue de Goethe rappelle le rôle des historiens allemands dans la redécouverte de la sculpture gothique : Wilhelm Vöge, jeune érudit brillant qui écrivit autour de 1900, et plus proche de nous, Willibald Sauerländer.

(Exemple de Muldenfaltenstil parisien : statue d’apôtre du portail central de Notre-Dame de Paris, brisée à la révolution, retrouvée en 1839)

C’est peut-être au Nord que cette belle manière vit le jour, sous les doigts des orfèvres de génie mosans. Un Nicolas de Verdun, célèbre pour ses grandes châsses reliquaires, en fut l’un des plus grands promoteurs. Son travail influença certainement les figures magnifiques, comme échappées d’un bas relief de la République Romaine, que l’on peut admirer à la Porte Romane de Reims, ou dans les ruines des sculptures de Laon et de Braine, dans l’Aisne, et à la cathédrale de Sens.

Le « Muldenfaltenstil » donnera quelques unes des plus belles pages de la sculpture médiévale. Retenons simplement la Nativité du jubé détruit de Chartres, et la Dormition de la Vierge à la cathédrale de Strasbourg (ci-dessous, autour de 1230). Allemande, la belle cité alsacienne n’en subissait pas moins une influence française prépondérante.

(image CDRP Strasbourg)

A Paris, ce style « antiquisant » s’éteint dès les premières années du treizième siècle, au profit d’un apaisement de la surface, sensible dès 1210. Car le jeu des grands acteurs de pierre se trouvait perturbé par le mouvement incessant des habits. Si la Dormition de la Vierge de Strasbourg est à tous égards l’un des plus beaux chefs d’œuvre de la sculpture, peut-être perd t-il quelque peu en force expressive ce qu’il gagne en flamboyante exécution technique ? Peut-être aussi l’apparence antique des sculptures de ce style ne convenait plus à une époque d’innovations majeures, qui élevait des monuments que les Anciens n’auraient pu espérer bâtir.

Apaisée, la surface de la sculpture gothique parisienne adopte une verticalité qui accompagne la poussée des tours et des grandes lancettes des fenêtres. Les statues et les reliefs gagnent en monumentalité ce qu’ils perdent en préciosité. La Vierge agenouillée du Jugement du portail occidental de Paris en illustre parfaitement la force mêlée de douceur (ci-dessous).

On ne sait pourquoi, entre 1225 et 1240, un vent nouveau souffle sur les falaises de pierre parisiennes. Les manteaux se soulèvent, les tuniques s’agitent, les jolis anges et les douces saintes sont décoiffés. Les vêtements se font plus lourds, effaçant les rides de surface. Les plis, moins nombreux, deviennent plus moelleux, prennent du volume et de la profondeur comme sous l’effet de mouvements tectoniques internes aux statues. Il aura suffit pour cela d’un léger balancement du corps. Le torse un peu plus en arrière, les épaules quelque peu tournées, les jambes s’éloignant pour prendre un appui, et c’est tout le corps qui devient vivant dans le regard du spectateur. Au tympan du portail central de Notre-Dame-de-Paris (le Jugement), on distingue très bien ce changement de style. Voici, en violet, le style 1210-1220, que l’on peut appeler « cannelé » et en doré, le nouveau style, « à gros plis moelleux » (ci-dessous).

L’humanité de pierre est alors touchée par une douce brise printanière, qui dépose sur les visages et les corps une grâce autrefois si rare. Roses et lys qui se répandent sur les chapiteaux naturalistes parfument leurs atours et leurs cheveux. Les Vierges ne sont plus des femmes sans âge, sévères et distantes, froides comme la pierre, mais de piquantes jeunes filles. Leurs charmes ne s’étalent pas avec l’opulence des nymphes antiques ou des courtisanes baroques métamorphosées en naïades ; ils se maquillent dans les petits visages pointus, les tailles et les bustes étroits que prolongent d’interminables jambes. Toujours inaccessibles, elles daignent toutefois poser leur regard bleu sur le fidèle qui les contemple ou leur murmure d’inquiètes paroles. Leurs lèvres se retroussent aux commissures. Ont-elles sourit à leur attention ? Pèlerins et passants veulent le croire … Si l’Art imite la Vie, jamais peut être ne fut-il plus proche de l’humanité. Alors que des trésors d’une préciosité inouïe circulaient entre les mains avides, émues et tremblantes des plus Grands du Royaume, comme la Vierge d’ivoire de la Sainte Chapelle, ou plus tard la Vierge en argent doré de Jeanne d’Evreux, ce sont des femmes et des hommes aimables et modestes que l’on trouve dans les édifices du culte quotidien : que l’on pense à la Vierge du transept nord de Notre-Dame, miraculée des dévastations diverses.

(Vierge en ivoire dite de la Sainte-Chapelle, 1250-1260, photo Musée du Louvre)

L’identification de la Vierge Retrouvée

Cette belle statue est, de toute évidence, une Vierge. Il ne peut s’agir d’une Sainte Anne, ni d’un « christophore » masculin – parmi lesquels saint Joseph, le vieillard Siméon, et bien sûr saint Christophe. Sa grande couronne à peine dégrossie, qui lui donne un curieux air de « koré » grecque coiffée de son « polos », est un attribut unique : celui de Reine du Ciel.

(Vierge retrouvée de Saint-Germain-des-Prés, autour de 1250 ?)

Son grand visage calme, sur lequel semble se dessiner un sourire, voilà ce qui touche en premier le spectateur. Nous l’avons vu, l’absence de frontalité, la tête penchée vers le Christ, signe d’une interaction entre les deux acteurs de cette jolie scène, nous place dans la lignée des Vierges de Tendresse, à partir de la seconde moitié du XIII ème siècle.

Le drapé s’inscrit dans la manière gothique du XIII ème siècle. Les plis sont profonds et plastiques, s’opposant à un traitement de surface purement graphique imitant l’enluminure ou l’ivoire (2), et d’une conception plus avancée que le style antiquisant.

L’élément le mieux conservé du drapé est ce grand manteau qui enserre le bras droit – celui qui ne porte pas l’Enfant, et revient sous le bras gauche, pour retomber sur le côté sous la forme à peine ébauchée d’une très modeste cascade de plis plaquée sur la taille. Quelque accident qu’ait subi cette Vierge, elle ne devait pas montrer dans son état final ces grandes retombées de plis en volutes et tuyaux d’orgue si caractéristiques du XIV ème siècle. Dans sa partie inférieure, le manteau retombe par de grandes lignes diagonales de gauche à droite.

On peut la comparer avec profit à deux grandes statues encore existantes, tout en gardant à l’esprit que les survivantes sont rares, au risque de fausser notre jugement. Ce sont la Vierge de Saint-Corneille, et surtout la Vierge de Reims (ci-dessous, 1245-1255), dont le vêtement est très proche, bien que traité avec plus de souplesse. La petite lanière ajustable qui retenait le manteau sur le torse, si fréquente au XIII ème siècle et visible à Reims, l’est également sur notre statue, à peine ébauchée.

(photo Emmanuel Pottier)

La Vierge de Saint-Corneille (ci-dessous, autour de 1270 ?) montre un stade plus évolué. Cette Vierge est comme nous l’avons vu probablement un dérivé heureux de la Vierge d’ivoire de la Sainte-Chapelle – à mon goût l’œuvre la plus extraordinaire du moyen âge français. Le bas de son vêtement reste marqué par une disposition archaïque : de grandes diagonales formant des plis en becs sur le côté droit. Mais la coquetterie d’une jolie maman s’étale déjà sans retenue. Le torse et la tête très en arrière forment avec le corps une jolie parenthèse. La petite ceinture ornée de « paillettes » d’argent se laisse admirer dans l’ouverture bien innocente du manteau – à l’image précisément de la Vierge d’ivoire. Le bustier rompt avec la tradition : soulevé vers le cou par le fermail d’orfèvrerie, il sépare ainsi le torse en deux parties. Tout indique un maniérisme déjà avancé, qui tranche avec la figure plus sage de la Vierge de Saint-Germain-des-Prés.

(Vierge de Saint-Corneille de Compiègne, photo : Willibald Sauerländer)

La revue des beaux attributs de cette sculpture brute, puis leur comparaison avec l’état de l’art au XIII ème siècle, nous permet de conclure avec une relative confiance que la Vierge retrouvée s’inscrit dans le courant gothique des années 1245-1270. La comparaison avec la Vierge dorée d’Amiens (ci-dessous, autour de 1260-1270), qui montre fièrement un drapé plus « moderne », lourd et moelleux, place même notre statue au début de cette période, avant que la nouvelle manière parisienne, celle du Christ et de l’Ange du tympan de Notre-Dame et celles des apôtres de la Sainte-Chapelle n’enterre définitivement toute trace du « Muldenfaltenstil ».

(photo François et Fier)

Enfin, le traitement de la surface comme le contexte de la découverte, excluent la possibilité d’un pastiche moderne.

J’ai évoqué, dans la première partie de cet article la prétendue Vierge du trumeau de la chapelle de la Vierge, édifiée au nord du choeur de l’abbatiale entre 1239 et 1255, et abattue sous la révolution. Il apparaît possible de penser que notre Vierge retrouvée puisse être liée à cette belle chapelle dont les quelques restes, loin de satisfaire notre goût, ne peuvent nourrir que notre mélancolie.

Depuis son installation à Saint-Germain-des-Prés, la Vierge Retrouvée reçoit des offrandes et des prières, par exemple sous la forme de petits papiers glissés dans les interstices de son socle. Cette douce idolâtrie n’est peut-être pas tellement au goût de l’Église moderne, qui, marchant dans les pas des docteurs de la Réforme, semble parfois rechercher un Dieu intellectuel et abstrait. Mais n’est-ce pas la ferveur populaire qui nous donna les cathédrales et les belles statues ? Sans le public à qui ils enseignaient de graves messages, et qui leur attribuait en retour quelques pouvoirs, ces chefs d’œuvre n’existeraient pas …

Note Bene : Les datations utilisées dans cet article font l’objet de débats qui ne trouveront jamais leur terme sauf à découvrir des textes inconnus ou de nouvelles inscriptions. Il peut exister dans certains cas une différence de près de 20 ans entre différentes opinions. Il faut donc les utiliser avec précaution. En revanche, certaines étapes clés, comme le passage au nouveau style parisien dans les années 1240, sont bien établies.

(1) peut-on parler d’une sculpture gothique – d’un formalisme encore très roman, sur les premiers monuments « gothiques » ? Oui, ne serait-ce qu’en raison du rôle qui leur est dévolu par les architectes, différent du rôle de la sculpture romane.

(2) visible encore au portail Sainte-Anne de Notre-Dame dans les anges des voussures (cf. ci-dessous)

Tous droits réservés images & texte (sauf mention contraire) : P-F Benoît, 2009

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décembre 17, 2008

Gothiques illuminations de Noël à Notre-Dame de Paris

Noël ! Noël ! Il vient, le Sauveur ! Accrochez des guirlandes de fruits et de fleurs à vos balcons ! Et vous, angelots, entonnez donc de joyeux refrains, et amusez-nous de mille facéties ! Que dansent les flammes colorées qui raviveront les belles formes endormies de la nature et signaleront son lent réveil !

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Très belle initiative de Notre-Dame de Paris, qui nous offre un superbe spectacle en ces fêtes de la Nativité. Les bas-reliefs de la clôture Nord de son choeur revivent par la magie de la technologie mystérieuse des Modernes. Eclairées successivement, les sévères figures qui composent le drame joyeux de Noël rejouent leur histoire éternelle sous les yeux ébahis des pèlerins (de tous ordres).

Ces bas-reliefs méritent mieux, en effet, que l’attention distraite que leurs prêtent les touristes. Certes, nous sommes loin ici de l’art brillant du portail occidental ou des transepts nord et sud dont les ravages du Temps alliés à la main criminelle de l’homme laissent pourtant d’éblouissants vestiges !

Elevée de 1330 à 1351 par Jehan Ravy et son successeur et neveu Jehan Le Bouteiller, la clôture du choeur est pleine de cette manière bonhomme que l’on retrouve dans les grandes Vierges à l’Enfant, sculptées pour la plupart à la même époque. Les drapés s’engagent dans des circonvolutions savantes, les torses se gonflent de fierté, les corps se déhanchent en d’agréables atours, dans un défilé de scènes stéréotypées.

Rare et précieux comme l’éclat du minéral extrait des entrailles de la montagne, et qui bientôt se ternira sur l’étagère du collectionneur, le moment sublime du classicisme gothique des années 1230-1250 est loin. En ces temps, des artistes parmi les plus grands de notre histoire, créaient des figures surhumaines. Humaines et divines à la fois, alliage ô combien chrétien ! ces sévères géants nous souriaient pourtant. Le XIII ème finissant, s’éveillant comme d’un rêve désormais troublé par le voile du souvenir, recherchera la manière, l’humanité coquette et apprêtée. « L’humain côtoyait le mondain », selon les mots de Cesare Gnudi, cet historien italien qui fit tant pour nous faire prendre conscience de l’importance de cette page française de l’art européen. Au XIV ème siècle, l’écriture du ciseau du sculpteur est automatique. Dans la stricte ordonnance d’une pièce de théâtre réglée au cordeau se succèdent les scènes forts connues de la Nativité. Du moins seulement à partir de la Visitation, car le début de cette belle histoire disparaissait sous les pioches des démolisseurs dès l’époque baroque.

Pour le spectateur du XIV ème siècle, la langue est celle de son quotidien. La Vierge de la Visitation est une jeune fille joyeuse et bien portante, toute à la fierté de sa félicité. Il suffit de la comparer à la Vierge couronnée du portail occidental pour mesurer le chemin parcouru par la sculpture gothique. Anoblie de la main même de son Fils, la Vierge est alors modeste et monumentale à la fois. C’est une Reine, une apparition grandiose ! Dans un fracas de cuivres clairs et de brillants éclairs se présente au peuple médusé une frêle et douce femme sans âge, qui d’une minuscule main écraserait pourtant toutes les armées du monde ! Si nous revenons sur la terre, nous trouvons à la clôture du choeur une Vierge qui parait plutôt une jeune fille coquette sans excès, des années 1330, promenant fièrement sa joie sans se douter du drame qui s’annonce dans les sombres recoins de la voûte, trente mètres plus haut.

Montée sur un joli petit âne, qui annonce la monture de la dernière entrée à Jérusalem, la Vierge de la Fuite en Egypte semble plus âgée. Oublié, le temps de l’insouciance, des mèches blondes retombant sur le front. Qu’il est loin, ce sourire presque arrogant de la Visitation. Et pourtant l’artiste ne peut s’empêcher d’attarder son ciseau sur le beau manteau de Marie, remuant et imprévu comme quelque coquillage exotique.

Le burlesque sombre ou facétieux qui traverse le Moyen-Age, de l’art roman aux mystères du XV ème siècle, s’affiche également ici. Ainsi le cruel Hérode se voit-il guidé par d’inquiétantes figures crochues, poilues et grimaçantes. Surveillé par trois diables cachés dans de petites arcades, le roi des juifs se voit même couronné par un diablotin ! En un temps où la Royauté venait de Dieu, l’on montrait par cet artifice qu’elle pouvait aussi venir du Malin lui-même. Insoupçonnable cohérence de doctrines politiques devenues étrangères à nos temps.

Quelques caractères ont fait douter les érudits de la valeur de ces morceaux. Des figures un peu trapues, des visages privés de la joliesse sévère ou piquante de l’art du XIII ème siècle, le tout accentué par une mise en couleur excessive – et reprise au XIX ème siècle. Et pourtant … quel miracle que la subsistance de ces bas-reliefs dans le coeur d’une cathédrale dépouillée violemment de la plupart de ses ornements peints ou sculptés : statuaire, vitraux, orfèvrerie, tentures, ferronneries, peintures et carrelages précieux – ce qui fait dire à beaucoup, à juste titre, que le grand monument est vide …

Cet exercice d’illumination n’est pas une première. Que l’on veuille bien se rappeler de celles du portail de la cathédrale d’Amiens, sublime et singulier voyage ! Il n’est pas sans défaut – ainsi dans l’enchainement narratif qui fait commencer le Massacre des Innocents avant l’ordre donné par Hérode. Mais l’effort, d’autant plus louable qu’il ne trahit pas l’oeuvre, parvient à contraindre le regard de visiteurs robotisés à se poser sur des oeuvres qu’ils auraient dédaignés auparavant. La sculpture ne déplace pas les foules, on le sait : il est donc à la fois triste et heureux de constater qu’un artifice technique peut réussir là où échouent de sombres bibliothèques, qui s’adressent plus à l’érudit qu’au fidèle de l’art ou de la Foi.

Copyright 2008, Pierre-Frédéric Benoît, images et texte. Pas de reproduction sans lien & citation, merci d’avance.

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